Entre science et fiction, Steven Matthews met à portée de jeune public un sujet complexe : les « biais cognitifs ». Pour rire et penser

Durée : 1h10
Dès 8 ans

Dramaturgie et collaboration à l’écriture : Jérôme Sire et Mathilde Soutter
Avec: Maud Faucherre, Lorin Kopp, Mathieu Fernandez-Villacanas, Verena Lopes, Jérôme Sire, Mathilde Soutter, Mirko Verdesca
Scénographie : Gaspard Boesch
Assistant scénographie : Andrzej Zeydler
Lumière: Rémi Furrer
Son : Benjamin Tixhon
Régie plateau : Théo Serez
Costumes : Clarissa Zoellner

Après avoir travaillé en crèches pendant plusieurs années, Steven Matthews se lance en 2011 dans des études de théâtre à l’École Serge Martin, d’où il sort diplômé trois ans plus tard. Il joue dans de nombreux spectacles et collabore notamment avec la Compagnie Confiture, le Théâtre Spirale, la Compagnie Lesarts et la Compagnie Zikids.

En 2016, il fonde la Compagnie Don’t Stop Me Now et reçoit une bourse de la Ville de Genève pour le spectacle La princesse EST le chevalier, créé en 2018 au Théâtre La Parfumerie, repris avec succès en 2019. La même année, il crée au Théâtre des Marionnettes de Genève un second spectacle pour enfants, Tu comprendras quand tu seras grand, salué par le public et la presse. Au cinéma, Steven Matthews incarne Fritz Joss dans Un juif pour l’exemple de Jacob Berger, et joue également dans La preuve scientifique de l’existence de Dieu de Fred Baillif.

Mathilde Soutter est musicienne et comédienne, diplômée de l’École Serge Martin en 2016. Elle a joué dans de nombreuses pièces et collabore avec plusieurs compagnies, notamment Les Arpenteurs et le Théâtre Spirale.

Elle a travaillé étroitement avec Steven Matthews pour la mise en scène de Conte un Jean et a coécrit le spectacle Tu comprendras quand tu seras grand au Théâtre des Marionnettes de Genève, dans lequel elle jouait également.

Après une suite de petits boulots, la rencontre avec l’improvisation théâtrale ouvre à Jérôme Sire un nouveau champ de perspective : le plaisir de la scène et le partage d’imaginaires. Il découvre dans le théâtre la construction collective d’histoires éphémères mais profondément réjouissantes.

Depuis, il poursuit ce chemin entre formation professionnelle, rencontres artistiques et spectacles, avec le désir constant de faire dialoguer les visions du monde par le jeu et l’écriture.

Diplômé de l’École Serge Martin en 2014, Lorin Kopp joue dans Clowneries, reprise d’un spectacle de clown mis en scène par Jean-Claude Blanc. Très vite, il participe à la création de Cyranino, spectacle jeune public porté par Laurie Comtesse et Coralie Garcia.

Par la suite, il travaille sous la direction de Muriel Matile dans La Paix perpétuelle et développe un intérêt marqué pour les marionnettes, notamment dans Le Roi tout nu au Théâtre des Marionnettes de Genève. Il joue également dans Sirènes, création de la compagnie Balor.

Mirko Verdesca achève sa formation à l’École Serge Martin en 2014. Il joue dans plusieurs spectacles de la Compagnie Confiture, notamment Les 39 marches, Feydeau à Moto et La Starteupe.

Il se produit également dans Lysistrata avec le Collectif Puck, Un thé à Tanger de Tahar Ben Jelloun et La Parfumerie de Miklos Laszlo. Pianiste, il a suivi des cours au Conservatoire de musique de Genève et à l’EJMA.

Maud Faucherre est formée à l’École Serge Martin. Elle a également suivi des formations en danse, chant, marionnettes et clown, notamment avec Noemi Lapzeson, Frédéric Gindraux et Neville Tranter.

Ces dernières années, elle a joué dans Juste après ou juste avant de la Compagnie 100 % Acrylique et dans Maybe – une vie de Sarah Marcuse.

Mathieu Fernandez est diplômé de l’École Serge Martin. Il a suivi divers stages de masques, de clown et de pantomime.

Au théâtre, il a joué notamment dans L’invisible chemin, Celle qui n’est pas maudite (qu’il a coécrite avec Jérémie Nicolet) et Les Chronoclowns, présentés dans plusieurs lieux en Suisse romande.

Verena Lopes est formée à l’École Serge Martin et a complété son parcours par de nombreux stages de jeu, notamment avec Benjamin Knobil, Brigitte Jaques-Wajeman, Mario Konstantin Bucciarelli et Marthe Keller.

Elle a récemment joué dans Heteroclite buffer-memory, If… une odyssée verte et Girls & Boys, dans une mise en scène de Bastien Blanchard.

Elle livre la complexité à tiroirs de ce qui nous tisse. Les fragments se suivent, sans queue ni tête: un triangle ménagé dans le rideau accouche d’un homme nu, un pan latéral dévoile un Sisyphe qui répète le geste de tirer sur une corde au bout de laquelle rien jamais n’apparaît, il y a des courses sans fin, des dormeurs arrêtés en plein songe, des couples en postures intrigantes, un homme coupé en deux par un rideau, des groupes assis de dos… Freud, les mythes, l’absurde… Les images passent, performances rythmées sur les palpitations du cœur, suspendues comme hors sol dans un électro planant ou prises dans un swing tropical et communicatif…

Fidèle à sa manière, Shechter n’utilise aucun accessoire. Sa danse est un théâtre collectif où les corps seuls portent la charge de visions dont l’exécution fascine au moins autant, sinon plus, que la singularité. Il fait feu de leurs arcanes pour construire une heure trente de danse pure, dans un crescendo et avec un art de la répétition qui font sa signature. L’inquiétante étrangeté de certaines images succède à la jubilation de danser ensemble, pris par cette transe même qu’on partage sur les dancefloors. Elle emporte si bien les spectateurs qu’ils sortent de leurs fauteuils pour danser sur scène et mieux y retourner ensuite, lorsque l’espace de la scène se rétrécit pour enfermer une poignée de danseurs inquiets entre des murs de lumière rouge.

Le Theatre of Dreams fonctionne à plein. La scénographie permet à Schechter de faire danser l’espace, en plus des corps et des lumières. La musique mène le bal tout en accélérations, en séductions et en suspens. La danse éblouit, marquée par cette gestuelle hyperaffûtée, à l’énergie communicative et à la beauté irrésistible qui est celle de Shechter. Les fans seront aux anges. Ceux qui préfèrent vivre la danse dans leur tête plutôt que dans leurs corps s’agaceront de cette répétition de choses effleurées. Elles ne font sens que si on se laisse chavirer par leur rythme. Car le meilleur chemin possible pour monter dans le chaos organisé de ce Theatre of Dreams est de s’y laisser aller sans résister.

THE COLLECTIVE AGREEMENT/ODE TO ALICE COLTRANE

Durée : 1h30
Tout public

Virtuosité, élégance, sensualité ! Voici deux perles que nous propose le chorégraphe visionnaire américain Alonzo King pour une soirée en deux temps sous le signe de l’émerveillement.

Directeur artistique / Co-fondateur Alonzo King
Directeur créatif / Co-fondateur Robert Rosenwasser
Directrice générale Ruth Nott
Maître de Ballet Jenny Sandler
Manager de compagnie Brandi Williams  

Danseurs Maël AMATOUL, Adji CISSOKO, Theo DUFF-GRANT, Lorris EICHINGER, Shuaib ELHASSAN, Joshua FRANCIQUE, Mikal GILBERT, Anna JOY, Marusya MADUBUKO, Tatum QUIÑÓNEZ

Artistes invités : Victoria VASSOS, avec l’aimable autorisation du Ballet West et Megan Elizabeth LECRONE
Responsable de production Seah Johnson / Régisseur général Byron Roman / Technicien Joshua Weckesser  

Production de tournée Delta Danse

Alonzo King LINES Ballet est une compagnie de ballet contemporain fondée en 1982, où le chorégraphe Alonzo King fusionne traditions et diversité culturelles par des collaborations artistiques internationales. Conjuguant à la technique classique une intervention toute personnelle, Alonzo King projette ses interprètes dans une danse inventive, se traduisant par une hallucinante articulation des corps. Figure incontournable et visionnaire, il a reçu de nombreuses distinctions, notamment la médaille des arts de San Francisco, une intronisation au California Hall of Fame, et un Dance Magazine Award en 2020. William Forsythe dit de lui qu’il est « l’un des rares véritables maîtres de ballet de notre époque ». Deux fois par saison, la compagnie présente de nouvelles créations au public américain, avant de les partager au reste du monde lors de ses tournées internationales.

LINES Ballet s’engage à former la prochaine génération d’artistes grâce à divers programmes de formation tout au long de l’année. En parallèle, LINES rend la danse accessible aux adultes et aux jeunes de la région de San Francisco grâce à des cours ouverts à tous, abordables et de qualité, ainsi qu’à des programmes éducatifs gratuits en milieu scolaire.

« Le terme LINES (littéralement « lignes ») fait allusion à tout ce qui est visible dans la sphère des phénomènes. Il n’y a rien qui ne soit fait ou formé sans ligne. La droite et le cercle définissent et englobent tout ce que nous voyons. Tout ce qui peut être vu est formé par une ligne. En mathématiques, c’est une extension de longueur droite ou courbe sans largeur aucune. Les lignes sont présentes partout : dans nos empreintes digitales, la forme de nos corps, les constellations, la géométrie. La ligne implique une connexion généalogique, une filiation et aussi une parole. Elle marque le point de départ et le point d’arrivée. Elle indique une direction, une intention de communication, et un concept. Le fil d’une pensée. Une frontière ou bien l’éternité. Une ligne mélodique. L’Équateur. Ligne de vibration ou ligne du point à point, elle est l’organisation visible de ce que nous voyons. »

Alonzo King

Alonzo King s’installe à San Francisco et fonde la compagnie LINES Ballet en 1982, aujourd’hui l’une des plus importantes et des plus enthousiasmantes compagnies d’outre-Atlantique.

Admirateur de Balanchine, Alonzo King développe une danse inventive, sensuelle et vibrante avec des danseurs à la technique classique irréprochable, et crée des ponts entre tradition et modernité. Par ses collaborations avec des artistes de disciplines et cultures différentes, il propose un travail toujours nouveau et nourri par la diversité culturelle. 

Alonzo King a créé des pièces pour les répertoires de nombreuses compagnies à travers le globe comme le Ballet Royal de Suède, Frankfurt Ballet, Joffrey Ballet, Dance Theater of Harlem, Alvin Ailey American Dance Theatre, Hong Kong Ballet, North Carolina Dance Theatre, Washington Ballet et les Ballets de Monte-Carlo. Il a travaillé abondamment dans les milieux de l’opéra, de la télévision, du cinéma, et a chorégraphié des pièces pour la première ballerine Natalia Makarova et l’acteur célèbre Patrick Swayze. Reconnu pour ses qualités de pédagogue, King a été Maître de Ballet invité pour le National Ballet of Canada, Les Ballets de Monte-Carlo, San Francisco Ballet, et d’autres compagnies. 

Le maire de San Francisco Gavin Newsom lui a attribué le Annual Mayor’s Art Award en octobre 2008, le qualifiant de « véritable trésor de San Francisco, incarnant l’excellence créative et la diversité culturelle de la ville ». King est titulaire de deux doctorats honorifiques et a été membre de différents comités au National Endowment for the Arts, California Arts Council, et au Lila Wallace-Reader’s Digest Arts Partners Program. Il a été nommé Maître de Chorégraphie Afro-Américaine par le Kennedy Center, et est un ancien membre de la commission des Arts de la ville de San Francisco, ainsi qu’écrivain et conférencier sur l’art de la danse.

Créé en 2018 pour le San Francisco Ballet / Repris en 2024 – Durée 28min

Initialement commandé par le San Francisco Ballet en 2018, The Collective Agreement fait peau neuve grâce à la relecture d’Alonzo King, de la technique irréprochable des danseurs du LINES Ballet et de l’installation lumineuse innovante de l’artiste Jim Campbell. Le chorégraphe collabore une nouvelle fois avec le pianiste de jazz Jason Moran pour créer une alchimie artistique qui donnera au ballet une nouvelle résonance.

L’intimité des duos et ensembles fait écho aux rythmes progressifs de la partition du compositeur. La musique a été enregistrée en studio par l’Orchestre Symphonique National de Lituanie, avec Jason Moran au piano, qui signe sa huitième composition pour le LINES Ballet.

Créé en 2024 – Durée 44min

Fasciné par la musique d’Alice Coltrane depuis son enfance, Alonzo King a chorégraphié l’une de ses premières pièces sur son oeuvre. Il revient aujourd’hui à son répertoire pour créer un ballet dans le cadre de « L’Année d’Alice », un hommage national à son héritage comprenant des performances et des expositions par LINES Ballet, Impulse! Records, le Detroit Jazz Festival, le Hammer Museum et la New-York Historical Society. « Son parcours musical et spirituel a contribué à définir et à façonner une vie et tout un genre musical », déclare la harpiste et compositrice nommée aux Grammy Awards, Brandee Younger. La pièce, créée dans le cadre de la saison d’automne 2024 de la compagnie, rend hommage à la légendaire leader spirituelle, compositrice, pianiste et harpiste Alice Coltrane.

« Le message transmis dans The Collective Agreement est celui de la compréhension, un thème qui trouve une profonde résonance dans le contexte actuel. […] L’équilibre toujours changeant entre l’interdépendance et l’individualité est incarné par la chorégraphie, à la fois nuancée et dynamique. »

Stephi Wild, Broadway World

« Ode to Alice Coltrane d’Alonzo King, interprétée par l’ensemble de la compagnie, rend un hommage retentissant au génie et à la diversité des talents et de l’imagination de Coltrane […] Les artistes de LINES, enveloppés dans une brume scintillante d’argent et de doré, ont embrassé les portés et les sauts, les pas de deux et les ensembles, de magnifiques adagios et des mouvements virtuoses d’inspiration folklorique […] Appelons cette ode une fantaisie, une réalité augmentée, ou un témoignage du pouvoir d’une oeuvre née de l’inspiration créative. Ou simplement, qualifions-la de magnifique.»

Janice Berman, Dance With Me

Compagnie Le bel après-minuit
TEXTE DE CATHERINE VERLAGUET

Durée : 1h10
Dès 8 ans

Metteur en scène

Diplômée de l’ENSATT en administration et assistanat à la mise en scène, Bénédicte Guichardon est également titulaire d’une licence d’études théâtrales de la Sorbonne Nouvelle. Assistante du metteur en scène Jean-Louis Jacopin pendant deux ans, elle participe en 1991 à la création du Rire Médecin, où elle exerce durant sept ans des responsabilités de communication et de recherche de fonds.

Formée auprès de Jacques Lecoq, Alain Mollot et Alain Gautré, elle joue à sa sortie dans trois spectacles de la compagnie Doriane Morel (Bestioly Blues, Bubbles, Ballade des Bigorneaux). De 2007 à 2013, elle travaille avec des compagnies de théâtre de rue (Opposito, Numéro 8, Hombres, Bureaucratiques et Monstres d’Humanité).

En 2014 et 2015, elle joue dans un cabaret au Théâtre de la Gaîté Montparnasse. Elle intègre ensuite la compagnie Le Laabo pour la création d’(Ex) Limen, puis la compagnie Jeune Scène d’Île-de-France pour plusieurs spectacles jeune public. Forte de ce parcours mêlant administration et création, elle fonde la compagnie Le bel après-minuit en 2002, avec laquelle elle a monté sept spectacles et quatre petites formes.

Auteur

Après des études théâtrales et une première carrière de comédienne, Catherine Verlaguet se consacre à l’écriture. La plupart de ses textes sont publiés aux Éditions Théâtrales, certains également chez Lansman et Actes Sud. Son ouvrage Corps à la maison reçoit le Grand Prix de la radio en 2021.

Elle écrit de nombreux textes pour Olivier Letellier, parmi lesquels Joli petit boy ! et Marie-Aude Murail, dont Le Processus, créé à Broadway en 2010, puis à New York en 2017. Elle reçoit à plusieurs reprises des distinctions, dont le prix Godot de la Culture, le prix à la Page, le prix Collidram de la Seyne-sur-Mer, le prix Galoupia et le grand prix du jury du festival Momix.
Artiste associée à La Filature, scène nationale de Mulhouse, au CDN de Nancy et au Théâtre de la Ville à Paris, elle collabore régulièrement avec Bénédicte Guichardon. Ensemble, elles fondent la compagnie Le bel après-minuit en 2002.

Assistant à la mise en scène

Damien Saugeon collabore avec la compagnie Le bel après-minuit en tant qu’acteur et manipulateur. Il joue notamment dans L’Ombre de Tom et sa petite forme, ainsi que dans En aparté de Catherine Verlaguet.
Avec le collectif Quatre Ailes, qu’il cofonde, il est narrateur et manipulateur dans plusieurs adaptations, dont Mille secrets de poussins. Il interprète Victor dans Certaines regardent les étoiles. Il participe également à de nombreuses créations mêlant théâtre, manipulation et acrobatie, notamment autour des œuvres de Murakami, Mugby, Tytell ou Pompée.
Formé au trapèze fixe et au tissu acrobatique, il participe à des spectacles circassiens et se produit dans plusieurs festivals internationaux. Il a suivi les formations de l’École internationale de théâtre Jacques Lecoq et travaille régulièrement comme assistant à la mise en scène.

Scénographe et créatrice costumes 

Diplômée de l’École supérieure d’arts décoratifs puis de l’École supérieure d’art dramatique du TNS, Aurélie Thomas est scénographe et costumière. Elle travaille d’abord aux côtés de Jean-Louis Martinelli, puis au sein de la compagnie Xi de Guillaume Delaveau.
Elle conçoit décors et costumes pour de nombreux textes du répertoire classique et contemporain, notamment Sophocle, Euripide, Marlowe, Racine, Shakespeare et Strindberg. Elle collabore avec Christophe Rauck, mettant en scène des auteurs comme Brecht, Gogol, Crimp ou Ostrovski.
Parallèlement, elle signe les scénographies de plusieurs projets adaptés de textes non théâtraux et développe un travail de réécriture scénographique et plastique, tout en poursuivant une collaboration régulière avec la compagnie Le bel après-minuit.

Régisseur son, régisseur général et créateur sonore

Issu de l’Université d’Huddersfield, Maxime Belotti-Tavard travaille depuis quinze ans en tant que créateur sonore, régisseur général et régisseur vidéo. Il débute comme régisseur d’accueil à Champigny-sur-Marne avant de tourner en Île-de-France sur de nombreux projets mêlant théâtre, concert et formes hybrides.
Il collabore avec des artistes et compagnies sur des tournées nationales, notamment pour des projets musicaux et théâtraux variés. Lorsqu’il n’est pas en tournée, il enregistre des artistes chez lui et conçoit des musiques originales pour ses prochaines collaborations.
Il travaille régulièrement avec la compagnie Le bel après-minuit, pour laquelle il assure la création sonore et la régie générale sur plusieurs spectacles.

Comédien

Formé à l’École Jacques Lecoq, Nathan Chouchana joue en France et à l’étranger dans des spectacles de rue avec la compagnie Adhoc. En 2016, il fonde sa propre compagnie, La Puce et l’Acrobate, au sein de laquelle il met en scène et interprète plusieurs spectacles jeune public.
Il crée notamment Trois Hivers sans Soleil, Les 3 cheveux d’or et Je rêve pour toi. En parallèle, il intègre le spectacle Jeanne, où l’être étrange élève parmi nous, avec lequel il remporte en 2021 le prix du public du festival des Tréteaux de France.
Il poursuit depuis une collaboration étroite avec Le bel après-minuit et enseigne par ailleurs le théâtre et l’acrobatie dramatique.

Comédien – P’tit Lu

Julien Despont débute son parcours au Cours Florent. D’abord inscrit en cursus de comédie musicale, il s’oriente rapidement vers le théâtre. Durant sa formation, il travaille sous la direction de Pierre Moure, Xavière Bonadona, Suzanne Marrot, Jerzy Klesyk, Bruno Blairet et Lena Bréban.
En 2019, il intègre l’ESCA, École Supérieure de Comédiens par l’Alternance. En 2020, il joue dans La maison d’os de Roland Dubillard au Théâtre Montansier à Versailles et au Studio Théâtre d’Asnières. La même année, il interprète Les nouveaux anciens, mis en scène par Bruno Boulzaguet au Studio d’Asnières.
En 2021, il joue dans La Mouette, mis en scène par Paul Desveaux au Studio d’Asnières, puis dans Le massacre à Paris, mis en scène par Jean-François Auguste à l’Oratoire du Louvre. En 2022, il joue le rôle-titre dans Youri, mis en scène par Marco Caraffini, avant d’interpréter Convulsions de Hakim Bah en 2022-2023, dans une mise en scène de Marion Träger.

Comédienne – Nora

Constance Guiouillier obtient une double licence Lettres et Arts, parcours arts du spectacle, à l’Université et au CRR de Cergy-Pontoise. Elle poursuit sa formation au Studio Théâtre d’Asnières-sur-Seine et intègre l’ESCA en 2017.
Durant ses études, elle travaille avec Zabou Breitman dans La Dame de chez Maxim, au Théâtre de la Porte Saint-Martin, ainsi qu’avec Hervé Van Der Meulen dans Peines d’amour perdues et Rabelais. Depuis sa sortie de l’ESCA en 2020, elle travaille avec différentes compagnies.
Elle joue notamment dans La Maladie de la famille M de la Cie Sayn, mise en scène par Hako Slakovic. Elle fait partie de la Cie Carré 128, créée par Ambre Dubrulle. Elle est également, depuis 2020, dans Soudain chutes et envols de la Cie du Bredin. En parallèle, elle développe des projets de théâtre en entreprise avec la Cie Decommodia et travaille aussi les techniques du doublage.

Comédienne – Faïza

Marion Träger obtient une licence d’arts du spectacle. Elle développe une fascination pour les monstres et l’invisible, explorant la marionnette et différentes méthodes de construction et de manipulation auprès d’Aurore Caillet, Pascal Laurent, Natacha Belova et Santiago Moreno.
En 2020, elle rejoint la première classe Égalité des chances à l’École Supérieure du Théâtre de Bordeaux, avant d’intégrer l’ESCA jusqu’en 2023. Pendant cette formation, elle joue avec Carole Bouillad, Sofiane et Selma Oussi, prête sa voix à Claire Brétecher, et interprète Trace mis en scène par Gilles David, Rêveries mis en scène par Juliet O’Brien, ainsi que plusieurs créations dirigées par Marco Deschamps-Ségura.
Les formes dans lesquelles elle s’inscrit sont volontairement pluridisciplinaires et de plus en plus orientées vers le jeune public. En 2024-2025, elle joue et manipule dans Le petit Popron rouge, mis en scène par Gingolph Gâteau.

avec Philippe Torreton

Durée : 1h50
Dès 14 ans

Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais, plus souvent désigné comme Beaumarchais, est écrivain, dramaturge, musicien et homme d’affaires. Son existence est tout entière marquée par l’empreinte du théâtre et, s’il est principalement connu pour son œuvre dramatique, en particulier la trilogie de Figaro, sa vie se mêle étrangement à ses œuvres.

C’est très jeune, en tant qu’horloger, qu’il pénètre à la Cour. En 1761, il obtient un brevet de secrétaire du roi et est anobli.

En 1767, il publie sa première pièce, Eugénie, drame social, puis en 1770 Les Deux Amis. Toutes deux sont des échecs. En 1768, il a épousé sa deuxième femme, une riche veuve, et exploite ses terres. Mais, à la suite de la mort de Pâris-Duverney, le financier qui l’avait initié aux affaires, un long procès oppose Beaumarchais au comte de La Blache. Celui-ci l’accuse de faux en sa faveur sur le testament de son ami.

À la suite d’un duel, Beaumarchais est incarcéré puis, en 1773, il perd son procès contre le comte de La Blache. Il écrit alors ses Mémoires, qui font rapidement scandale. Beaumarchais perd ses droits civiques mais gagne l’estime populaire.

En 1774, le roi fait de lui un agent secret, en Angleterre et en Autriche. Le 23 février, c’est la première du Barbier de Séville, à la Comédie-Française, et le premier grand succès. Il obtient du roi des subsides pour soutenir les Américains révoltés contre l’Angleterre et est réhabilité par le Parlement.

En 1777, il fonde la Société des auteurs dramatiques.

Créé en 1784 à la Comédie-Française, malgré l’opposition du roi, Le Mariage de Figaro est un triomphe et sera joué plus de cent fois de suite dès sa création.

Inquiété sous la Révolution française, quoique membre du Comité de salut public, il doit émigrer et ne rentre qu’en 1796, trois ans avant sa mort. Pourtant, sans doute mieux que tout autre auteur du siècle des Lumières, Beaumarchais a su mettre en scène les aspirations de la bourgeoisie montante. Son style mêle avec un brio particulier le drame et la comédie, la poésie et la langue parlée.

La trilogie de Figaro, son œuvre théâtrale qui l’a rendu célèbre, réunit :

Le Barbier de Séville, ou la Précaution inutile, comédie en quatre actes, 1775.La Folle Journée, ou le Mariage de Figaro, comédie en cinq actes, 1778.L’Autre Tartuffe, ou la Mère coupable, drame moral en cinq actes, 1792.

Léna Bréban se forme au Conservatoire national supérieur d’art dramatique de Paris. Elle est dirigée par de nombreux metteurs en scène, parmi lesquels Alain Françon, Charles Tordjman, Catherine Anne, Jean-Louis Benoit, Ladislas Chollat ou encore Pascal Rambert.

En 2015, elle joue dans La Maison d’à côté de Sharr White, mise en scène par Philippe Adrien, performance pour laquelle elle est nommée au Molière de la comédienne dans un second rôle.

On la retrouve régulièrement dans des rôles au cinéma et à la télévision. En tant qu’autrice et metteuse en scène, elle monte et signe l’adaptation de Verte de Marie Desplechin, spectacle nommé au Molière du jeune public en 2019.

Durant le confinement du printemps 2020, elle conçoit Cabaret sous les balcons, spectacle qu’elle joue par la suite avec sa troupe sous les fenêtres des EHPAD de Saône-et-Loire, et qui lui vaut la mention spéciale « Initiative » du Prix de la Critique 2020-2021.

Depuis janvier 2020, Léna Bréban est membre du Vivier d’artistes constitué par Nicolas Royer à l’Espace des Arts, Scène nationale Chalon-sur-Saône, où elle joue et met en scène, fin janvier 2021, Renversante d’après Florence Hinckel, spectacle qu’elle a déjà joué plus de 500 fois. Elle a également adapté et mis en scène Sans famille d’Hector Malot à la Comédie-Française, repris au Théâtre du Vieux-Colombier.

En janvier 2022, elle crée Comme il vous plaira de William Shakespeare au Théâtre de la Pépinière à Paris. La pièce remporte quatre distinctions lors de la 33e Nuit des Molières 2022 (spectacle du théâtre privé, metteuse en scène, comédienne et comédienne dans un second rôle), ainsi que le Prix Laurent-Terzieff 2022 du Syndicat de la critique. La même année, elle reçoit le Prix Nouveau Talent Théâtre de la SACD.

Cette saison, en plus des reprises de ses spectacles, elle met en scène la comédie musicale inédite Peau d’homme, d’après l’œuvre d’Hubert et Zanzim, qu’elle adapte avec Ben Mazué pour le Théâtre Montparnasse.

En 1987, Philippe Torreton entre au Conservatoire national supérieur d’art dramatique de Paris, où il suit les classes de Madeleine Marion, Catherine Hiegel et Daniel Mesguich. Il devient pensionnaire de la Comédie-Française en 1990, puis sociétaire de 1994 à 1999. Il y interprète notamment Scapin, Laërte, Tartuffe, ainsi qu’Arlequin dans La Double Inconstance et La Serva Amorosa de Goldoni, et joue des textes de Brecht, Sartre, Strindberg et Vinaver.

Après son départ du Français, il crée Henri V dans la Cour d’honneur du Festival d’Avignon en 1999.

Ces dernières années, il interprète notamment Cyrano de Bergerac d’Edmond Rostand, mis en scène par Dominique Pitoiset (Prix Beaumarchais 2013, Molière du meilleur comédien et Prix du Syndicat de la critique 2014), La Résistible Ascension d’Arturo Ui de Bertolt Brecht, également mise en scène par Dominique Pitoiset, Richard III de William Shakespeare, mis en scène par Philippe Calvario, Oncle Vania d’Anton Tchekhov, mis en scène par Claudia Stavisky, Un pied dans le crime d’Eugène Labiche, mis en scène par Jean-Louis Benoît, ainsi que Hamlet de William Shakespeare, mis en scène par Jean-Luc Revol. Il met également en scène Dom Juan de Molière au Théâtre Marigny en 2007.

En 2018, il collabore pour la première fois avec Arnaud Meunier pour la création de J’ai pris mon père sur mes épaules, commande d’écriture faite à Fabrice Melquiot, puis sur Tout mon amour de Laurent Mauvignier. Entre ces deux créations, il joue dans La Vie de Galilée de Bertolt Brecht, mis en scène par Claudia Stavisky.

En 2022, il crée au Théâtre des Bouffes du Nord à Paris, avec le comédien Vincent Garanger, le spectacle Lazzi de Fabrice Melquiot.

En 2024, il met en scène et interprète Le Funambule de Jean Genet, création à la MC2 Grenoble, puis à Paris au Théâtre de la Ville – Les Abbesses, avant une tournée.

Au cinéma, il a tourné dans plus d’une trentaine de films, notamment sous la direction de Bertrand Tavernier (Capitaine Conan, César du meilleur acteur 1997 ; Ça commence aujourd’hui, Prix Lumière du meilleur acteur 2000 et prix du meilleur acteur étranger en Espagne), Patrice Leconte, Antoine de Caunes, Jean-Daniel Verhaeghe, Volker Schlöndorff, Mathieu Kassovitz, Philippe Lioret, Michel Gondry, Malik Chibane, Laurent Heynemann et Olivier Assayas.

En 2010, il joue dans Présumé coupable de Vincent Garenq (nomination au César du meilleur acteur 2012, Prix d’interprétation au Festival d’Angoulême 2011, au Stony Brook Film Festival de New York 2012 et au Festival de Vologda 2012).

Dernièrement, il tourne dans Simone d’Olivier Dahan (2019), Les Bonnes Intentions de Gilles Legrand, Trois jours et une vie de Nicolas Boukhrief (2018), Gueules noires de Matthieu Turi (2022) et L’Affaire de l’esclave Furcy d’Abd Al Malik (2024).

À la télévision, il joue dans de nombreux téléfilms et séries, parmi lesquels Infidèle (saisons 1 et 2) de Didier Le Pêcheur et Didier Bivel, Mystère au Louvre de Léa Fazer, Flic tout simplement et La Traque d’Yves Rénier, Et la montagne fleurira d’Éléonore Faucher et Les Enfants des justes de Fabien Onteniente.

Il est l’auteur de plusieurs ouvrages, parmi lesquels Comme si c’était moi (Seuil), Le Petit Lexique amoureux du théâtre (Stock), Mémé (L’Iconoclaste, 2014), Cher François (2015), Thank You, Shakespeare (2016, Flammarion), Nous qui sommes devenus le mauvais temps (Le Cherche Midi), Jacques à la guerre (Plon, 2018), Une certaine raison de vivre (Robert Laffont, rentrée littéraire 2021), une Anthologie de la poésie française (Calmann-Lévy), Lettre à un jeune comédien (Tallandier, 2022). Son dernier ouvrage, Un cœur outragé, est paru aux éditions Calmann-Lévy en avril 2024.

Après le cirque, le numérique, le sport, le vent ou l’apesanteur, c’est tout simplement face au temps qui défile, et qui nous défie, que Mourad Merzouki s’interroge.

Durée : 1h00
Tout public

Après les triomphes de Pixel, Boxe Boxe, Vertikal, Folia ou Zéphyr présentés au Forum, le chorégraphe fait aujourd’hui endosser à ses quinze danseurs de nouveaux corps, d’autres âges aux drôles de rotondités.

Dans Beauséjour, Mourad Merzouki porte une réflexion engagée sur le mouvement et la performance physique face au vieillissement. Cette pièce amène les danseurs hip-hop à adopter de nouvelles gestuelles, loin de leurs performances habituelles.

Pour Mourad Merzouki, « la vieillesse peut être le séjour bienheureux où réside la beauté ! Beauté qui défie le temps, qui résiste et qui existe autrement. »

Porté par les rythmes électro-tango de Müller & Makaroff (Gotan Project), c’est l’esprit guinguette qui réapparaît sous les yeux du public dans cette œuvre enivrante, burlesque et émouvante.

La danse, plus que jamais, est l’écrin de la vie et du partage !

Direction artistique et chorégraphie : Mourad Merzouki
Assisté de Kader Belmoktar
Création musicale : Müller & Makaroff (Gotan Project)
Texte: Fabrice Daboni aka Fafapunk
Voix: Fabrice Daboni aka Fafapunk, Gilles Fisseau
Lumières: Yoann Tivoli assisté de Nicolas Faucheux
Scénographie: Benjamin Lebreton
Costumes: Pauline Zurini – Faux corps: Cécilia Delestre
Perruques et maquillages: Catherine Saint-Sever
Coproduction Les Nuits de Fourvière – Festival international de la Métropole de Lyon, Centre chorégraphique national de Créteil et du Val-de-Marne / Cie Käfig,
Scène de Bayssan – Domaine Départemental de l’Hérault (Béziers), 53 Sport dans la Ville

Avec le soutien de Pôle en Scènes (Bron), Théâtre Théo Argence (Saint-Priest)

MÜLLER & MAKAROFF (MUSIQUE)

avec Michèle Bernier et Francis Perrin

Durée : 2h
Tout public

La pièce mythique de Barillet et Grédy, jouée par Jacqueline Maillan en 1985, revient dans une version revisitée et moderne avec notamment Michèle Bernier et Francis Perrin pour enchanter une nouvelle génération de spectateurs.

Une comédie de
Barillet & Gredy
Mise en scène par
Marie Pascale OSTERRIETH
Adaptation
Marie Pascale Osterrieth & Michèle Bernier

DISTRIBUTION :
MICHÈLE BERNIER LILY ET DEBORAH
FRANCIS PERRIN SAM
ERIC BOUCHER JONATHAN
RITON LIEBMAN DOUG
VÉRONIQUE BOULANGER CH ARLENE
CYRIL GARNIER JULIO
MORGANE CABOT YVETTE
BASTIEN MONIER GASTON

Cannes Latino !

Durée : 1h40 avec entracte
Tout Public

Durée : 1h30
Tout public

Enfant prodige devenue véritable icône mondiale, Judy Garland demeure l’une des plus grandes artistes américaines des années 40-50.

The Amazing Keystone Big Band lui rend un vibrant hommage, retraçant la vie éclatante de Judy Garland à travers 12 chansons emblématiques, de l’inoubliable Somewhere Over The Rainbow à la vivifiante Get Happy.

Toutes ces mélodies sont soigneusement arrangées dans des versions originales et surprenantes qui donnent une nouvelle vie au répertoire joyeux et étincelant des comédies musicales américaines.

La magie de Judy Garland reprend vie grâce à cette collaboration unique entre la voix sublime de Neima Naouri, fille de la cantatrice Nathalie Dessay, et la virtuosité du Keystone Big Band, grand orchestre de jazz français aux multiples récompenses, dans une version à huit musiciens.

Avec: Neima Naouri (chant), David Enhco (trompette), Vincent Labarre (trompette), Pierre Desassis (saxophone), Kenny Jeanney (saxophone), Bastien Ballaz (trombone), Maxime Sanchez (piano), Patrick Maradan (contrebasse) et Romain Sarron (batterie).

Crée en 2010, le bouillonnant Amazing Keystone Big Band exprime à la fois l’esprit, l’âme des grandes formations de l’ère du swing-roi, et l’inventivité, l’ouverture, l’insolente virtuosité du jazz d’aujourd’hui. En 2018, il remporte la Victoire du Jazz du meilleur groupe de l’année. Complices depuis le Conservatoire, le pianiste Fred Nardin, le saxophoniste Jon Boutellier, le tromboniste Bastien Ballaz et le trompettiste David Enhco (“Révélation” aux Victoires du Jazz) assurent la direction et les arrangements de l’orchestre.

Les 17 cadors qui piaffent derrière les pupitres de cette turbulente machine à jazz ne se contentent pas de faire allégeance à Count Basie, Duke Ellington ou Thad Jones. Ils considèrent que cet orchestre d’amis triés sur le volet leur permet d’expérimenter des idées neuves, tout en revisitant les perles d’un répertoire insubmersible. The Amazing Keystone Big Band perpétue cette musique ondulatoire tout en donnant libre cours à la créativité de ses musiciens, de leurs arrangements, compositions, et soli.

Depuis sa création, l’Orchestre a eu l’occasion de collaborer et d’écrire de la musique pour des artistes de renommée internationale tels que : Quincy Jones, James Carter, Didier Lockwood, Rhoda Scott, Stochelo Rosenberg, Liz McComb, Michel Hausser, Thomas Dutronc, Bill Mobley, Cécile McLorin Salvant, ZAZ, Madeleine Peyroux, Ibrahim Maalouf, etc.

L’orchestre joue également un très large répertoire de standards jazz et de compositions originales.

Durée : 1h20
Dès 10 ans

Louis Caratini vous convie à une soirée ludique et poétique où la chanson française est à l’honneur. Il propose une expérience entre concert et jeu, mêlant des tubes incontournables à des joyaux plus rares.

Ce blind test poétique fait revivre les classiques de la chanson française, tout en brisant les codes traditionnels du spectacle, encourageant le public à jouer, découvrir et redécouvrir les paroles et les artistes derrière chaque titre.

Accompagné de son piano, il alterne entre les tubes populaires et les mélodies moins connues.

Un rendez-vous parfait pour les passionnés de musique et les curieux… dont vous pourriez même repartir avec de nouvelles chansons préférées !

Concept: Louis Caratini
Écriture: Louis Caratini et Charlotte Adrien
Avec Louis Caratini
Mise en scène : Charlotte Adrien
Création lumières : Jérémie Gaston Raoul
Régie: Aurélien Dalmasso
Visuel: Sébastien Benedetto
Production : Les Productions Entropiques
En accord avec: Le Collectif Animale
Coproduction : Théâtre Le Funambule

CRÉATION ET MISE EN SCÈNE : SLAVA POLUNIN

Durée : 1h45
Dès 8 ans

Mise en scène: Viktor Kramer et Slava Polunin
Scénographie : Viktor Plotnikov, Slava Polunin
Conception de costumes et effets spéciaux : Slava Polunin
Son: Roman Dubinnikov, Slava Polunin

Entrons dans le songe de Slava. Laissons-nous attendrir par Assissaï, clown de théâtre mélancolique et hirsute, et par ses étranges compagnons, créatures humbles et irrévérencieuses, toujours loufoques. Suivons-les dans leurs aventures poétiques qui transforment la scène et la salle en vaste terrain de jeu. Voguons avec lui dans un univers à la fois troublant et touchant, empruntant ses images aux rêves, au drame et à la fantaisie. Jouons à aimer, à se quitter sur un quai de gare, à désespérer et à mourir d’aimer, et puis relevons-nous, pour jouer encore. Que l’émotion pure surgisse, grandisse et se déchaîne comme une tempête de neige. Découvrons une histoire, au-delà du bruissement des mots, exprimée avec la simplicité d’une poésie minimaliste et la folie d’effets grandioses. Prenons le temps d’un récit surréaliste, d’une épopée sensible parsemée de pitreries. Oscillons sans retenue entre rire et larme, en écoutant les palpitations d’un cœur en hiver. Retrouvons l’innocence de notre âme d’enfant, au contact de cette troupe de tendres fêlés, distillant ses bulles de malice. Et que l’art de Slava se mêle à nos vies, que la magie du clown opère, afin que nous puissions apprécier totalement ce merveilleux cadeau qu’est le Slava’s Snowshow !

Il a le cheveu hirsute et la parole qui fuse. Sous ses airs de dilettante, c’est un travailleur acharné. Clown de renommée mondiale, il a pour ambition première d’aller au bout de ses rêves et d’atteindre par là à l’absolue liberté. Il, c’est Slava Polunin, né le 12 juin 1950 à Novossil, petite ville située au sud de Moscou, sur le chemin de la mer Noire. Il grandit à la campagne et, à onze ans, découvre Charlie Chaplin dans ‘Le Kid’. « Je n’ai pas vu la fin, raconte-t-il, parce qu’on a éteint la télévision avant, mais… le lendemain, je savais avec certitude ce que je voulais faire de ma vie. » Quelques années plus tard, jeune homme, Slava gagne la ville qu’il tient pour « la plus belle du monde », Saint-Pétersbourg, alors appelée Leningrad. Il est censé y faire des études d’ingénieur, mais ne tarde pas à se lancer dans l’art de la pantomime. Il créé bientôt son personnage de clown, Assissiaï, petit bonhomme ridicule et touchant, en combinaison jaune et tatanes rouges à longs poils, promis à une gloire fulgurante. Assissiaï, c’est la quintessence de la mélancolie poétique qui caractérise le génial clown soviétique Enguibarov, du raffinement philosophique du mime Marceau, de l’humanité et du comique émouvant des films de Chaplin – les trois grands maîtres de Polunin. Peu à peu, à travers le personnage d’Assissiaï, naît le projet d’un théâtre de clowns, tous différents et pourtant aisément reconnaissables.

Ce kaléidoscope de caractères s’incarne plus particulièrement dans « le théâtre de clowns de St Petersburg », troupe créée par Polunin à la fin des années soixante et dont la popularité est, d’emblée, stupéfiante. Elle est dissoute vingt ans plus tard par son fondateur, qui s’en explique : « Il me semblait que la clownerie poétique était une aventure aboutie. Désormais, ce qui m’intéressait c’était la tragicomédie. » Slava veut « réconcilier le grotesque et l’épique », plonger, la tête la première, dans « quelque chose qui s’apparente à Gogol et Beckett ». À la base de son travail, le désir de « faire revenir le clown au théâtre ». Deux décennies durant, les grands projets succèdent aux entreprises les plus folles : une « Mime-parade » réunit, à Leningrad, plus de huit cents clowns venus de toute l’URSS ; elle est suivie d’un premier festival de théâtre de rue et d’un « Congrès national des fous ». Avant la chute du Mur de Berlin, la « Caravane de la Paix », théâtre nomade, sillonne l’Europe six mois durant, de Moscou à Paris. Puis, l’« Académie des Fous » s’attache à faire revivre l’idée du carnaval et donne naissance à une grandiose « Nef des Fous », rassemblant, à Moscou, les meilleurs clowns du monde, les plus extravagants, les plus imprévisibles. Sans oublier le légendaire « Snowshow », merveilleuse tempête de neige qui tourbillonne à travers le monde, transportant d’enthousiasme petits et grands sur son passage. « Au “Snowshow” de Polunin, écrit un critique, on n’a qu’une envie : qu’il ne s’arrête jamais !

C’est un monde de vérités simples et accessibles, sages et cocasses à la fois. » Un Johnny de six ans lui fait écho, dans une lettre adressée à Slava : « Cher Monsieur le Clown, Tout ce que vous avez fait m’a plu. Surtout la petite locomotive et les gros ballons. Merci de m’avoir invité. Je vous aime. » Aujourd’hui, Slava, espiègle patriarche, occupe parfois ses ateliers de création théâtrale aux environs de Paris, dans un ancien moulin entièrement dévolu à la célébration du spectacle et de l’imagination, savant mélange, sur quatre hectares, d’art brut, de sciencefiction et de cirque fellinien : le « Moulin Jaune ». Une référence au Moulin Rouge ? Pas tout à fait. En russe, la « maison jaune », c’est la maison de fous. Un moulin pour s’échapper, en quelque sorte. Mais d’où ? De Novossil ? De Russie ? Du système ? Du quotidien ? Un moulin refuge, un moulin repaire, pour poser définitivement ses bagages et goûter une retraite bien méritée ? Que nenni !

Un moulin pour lire, méditer (Slava a annoté, entre autres, les Essais de Montaigne auquel il fait souvent référence, « parce que sa pensée fonctionnait comme la mienne : il prenait des choses simples et y trouvait des pensées fondamentales »), un moulin pour parfaire à l’infini l’œuvre à laquelle Polunin a consacré sa vie. « Faire de la vie un théâtre est le devoir de tout artiste », proclame le maître de ce lieu magique qui, paradoxalement, est aussi une constante invitation au voyage, entre « Nef des Fous » et yellow submarine. « Ici, dit encore Polounine, on est tenu de se conformer à son environnement. Il faut créer sa vie quotidienne selon les lois de l’art. Avec autant de détails qu’on le ferait pour un spectacle. » On ne peut s’empêcher de penser à la Factory d’Andy Warhol. Un laboratoire vivant, le Moulin jaune est une serre où faire germer les fleurs interdites. Étendant le bras d’un mouvement qui englobe tout le domaine, les eaux bruyantes, les murs peints par Os Gemeos, peintres graffitistes brésiliens, la grande table du dîner sous le saule pleureur, les dépendances où s’activent jardiniers et cuisiniers, le « jardin blanc », le « jardin rouge », le « jardin noir », les hamacs qui pendent près du kiosque indien, les canards dociles, la barque en forme de lune et le soleil couchant, Slava livre son grand secret : « Mon premier mérite – et peut-être le seul – est d’être capable d’inspirer aux gens l’envie de faire tout avec joie. Le mot travail est interdit dans la famille. Si ce que tu fais ne te procure pas de plaisir, fais autre chose. ».