Beaumarchais, visionnaire indomptable, brosse le portrait mordant d’une société rongée par les privilèges. Figaro, valet rusé et insolent, rêve d’épouser Suzanne, mais son maître, le Comte Almaviva, veut exercer sur elle son « droit du seigneur ». La comtesse, humiliée par les infidélités de son époux, s’allie à Suzanne pour déjouer ses plans.

Derrière le vaudeville, l’auteur déploie une critique acerbe des rapports de domination sociale et de genre : qui possède qui ? Qui contrôle qui ?

Sous la direction engagée de Léna Bréban, ce classique retrouve une résonance sidérante. La metteuse en scène fait voler en éclats le quatrième mur : le public devient témoin, presque complice de cette joute où se mêlent désir, manipulation et insoumission.

Porté par Philippe Torreton en Figaro, chaque mot percute, chaque réplique fuse avec une énergie ravageuse. Entouré d’une troupe vibrante, il incarne la résistance jubilatoire face à un système d’oppression qui s’accroche.

Le Mariage de Figaro devient alors plus qu’une comédie : une lutte vivante, vibrante, essentielle.

Dans cette nouvelle création, j’explore le corps face au temps. Je porte une réflexion nouvelle et engagée sur le mouvement et la performance physique.

À mon âge et après 30 ans de carrière, les danseurs de ma génération n’ont plus le même rapport au corps. Et pourtant, nous continuons, dans nos spectacles et dans nos performances, à célébrer le beau. C’est une autre énergie et ce sont d’autres élans, nous ne cherchons plus la prouesse physique spectaculaire mais une autre esthétique toujours gracieuse et énergique. J’ai choisi de construire une chorégraphie autour de cette réalité. Celle du corps vieillissant. Notre société admet le corps et le valorise, mais dans les critères spécifiques que cette dernière s’est imposée à elle-même. Dans Beauséjour, je regarde le corps usé, celui qui a vécu, celui qui porte les marques et les douleurs du temps.

La nostalgie ici n’est pas un sentiment amer, c’est une force vive qui renaît et qui se déploie à nouveau. Beauséjour est l’utopie à la fois d’un passé qui renaît par réminiscence et d’un présent vécu par des corps proéminents, boursoufflés et courbés. Un véritable défi chorégraphique pour des danseurs hip-hop qui doivent s’approprier de nouvelles gestuelles, incarnant des personnages singuliers, loin de leurs performances habituelles.

De ces personnages attachants et assumés dans leur originalité se dégage une vision renouvelée du beau, dans laquelle la danse se veut universelle et transgénérationnelle. La vieillesse peut être le séjour bienheureux où réside la beauté ! Beauté qui défie le temps, qui résiste et qui existe autrement.

Porté par les rythmes électro-tango de Müller & Makaroff, c’est l’esprit ginguette qui réapparaît sous les yeux du public. La danse, plus que jamais, est l’écrin de la vie et du partage.

Mourad Merzouki

Figure du mouvement hip-hop depuis le début
des années 1990, le chorégraphe inscrit son travail
au carrefour de multiples disciplines. Autour de
la danse hip-hop, se greffent le cirque, les arts
martiaux, les arts plastiques, la vidéo et la musique
live, ouvrant de nouveaux horizons à la danse.

Sa formation s’enracine dès l’âge de 7 ans dans la
pratique des arts martiaux et des arts du cirque à
Saint-Priest. À 15 ans, sa rencontre avec la culture
hip-hop l’emmène vers le monde de la danse.

Il crée sa première compagnie Accrorap en 1989,
avec Kader Attou, Eric Mezino et Chaouki Saïd.
Il développe cette gestuelle née dans la rue
tout en se confrontant à d’autres langages
chorégraphiques auprès notamment de Maryse
Delente, Jean-François Duroure et Josef Nadj.

En 1994, la compagnie présente Athina lors de la
Biennale de la Danse de Lyon, un véritable succès
qui réussit à transposer la danse hip-hop de la rue
à la scène. Pour développer son univers artistique,
il décide de fonder en 1996 sa propre compagnie,
qui prend le nom de sa pièce inaugurale : Käfig.
Signifiant « cage » en arabe et en allemand, ce nom
indique son parti pris d’ouverture et son refus de
s’enfermer dans un style.

De 1996 à ce jour, il crée 40 pièces, dont la diffusion
ne cesse de s’élargir. Au total, plus de 2 millions
de spectateurs ont découvert les créations de
sa compagnie lors de 4 000 représentations en
France et à l’étranger, soit à travers 65 pays.

Afin de soutenir la création hip-hop, il conçoit un lieu
de création et de développement chorégraphique :
le Centre chorégraphique Pôle Pik ouvre ses portes
à Bron en 2009. L’implantation de ce lieu impulse
la mise en œuvre du festival Karavel, qui devient
un rendez-vous incontournable pour la danse
hip-hop sur la scène nationale.

En juin 2009, le chorégraphe est nommé à la
direction du Centre chorégraphique national de
Créteil et du Val-de-Marne. Il y développe un projet
intitulé « La danse, une fenêtre sur le monde », dont
l’ouverture est le maître-mot. Il poursuit, à côté de
la création et de la diffusion de ses spectacles, un
travail de formation et de sensibilisation à la danse
hip-hop, en créant des rencontres originales
favorisant l’accès à l’art chorégraphique et le
soutien aux équipes indépendantes.

En 2013, il crée le festival Kalypso, offrant un nouvel
espace de visibilité aux compagnies de danse
hip-hop sur le territoire francilien.

En mars 2016, il est nommé conseiller artistique de
Pôle en Scènes à Bron, projet mettant en synergie
le Centre chorégraphique Pôle Pik et l’Espace Albert
Camus autour d’une ambition commune de diffusion,
de formation et de création du spectacle vivant.

Il reste fidèle à sa démarche artistique en proposant
de créer des passerelles entre les disciplines,
d’ouvrir les espaces et de les investir avec un public
toujours plus large.

En janvier 2023, après 13 années à la tête du CCN
de Créteil et du Val-de-Marne, il ré-installe
la compagnie Käfig dans l’Est lyonnais, à Bron et
à Saint-Priest, renouant avec le territoire qui l’a vu
grandir.

En 2024, à l’occasion des Jeux Olympiques
de Paris 2024, il porte la Flamme Olympique pour la
Ville de Créteil et crée la chorégraphie de l’épreuve
libre de natation artistique de l’équipe de France.
Il chorégraphie également Trokad’héros,
réunissant

Inscrit à l’IDEC, avec pour ambition de prendre la suite des réalisateurs qu’il admirait tels que Jacques de Baroncelli, Jean Grémillon, ou René Clair (pour lequel il écrivit avec Barillet les dialogues de Belles de Nuit pour Gérard Philipe), Jean-Pierre Gredy rencontra Pierre Barillet sur les bancs de la fac de droit : ni l’un, ni l’autre ne s’y amusait.

Barillet s’y était inscrit pour faire plaisir à ses parents, mais dans le sillage de Cocteau et de ses pseudo-tragédies, il rêvait de grandeur dans les écrits de Montherlant et ambitionnait de devenir comme François Mauriac, un auteur de drames comme ceux que ce dernier faisait créer à la Comédie-Française. Son personnage favori à l’époque ? Monsieur Couture dans Asmodée ou des personnages de Tchekhov…

Alors qu’est-ce qui s’est passé ? UN ORAGE !

Alors qu’ils descendaient tous les deux en voiture dans le Midi, une méga-tempête les cloua plusieurs jours à Avignon dans une chambre de l’hôtel de l’Europe. C’était avant le wifi et les vidéos-games et comme ils étaient intelligents et farceurs, ils écrivirent par simple jeu une comédie prenant pour modèle les travers de leurs mères : l’une un peu snob, mettant en avant sa vie à Alexandrie, l’autre préoccupée du matin au soir par ses histoires de « bonnes ». Et en l’écrivant, ils se tordaient de rire comme deux galopins.

Sauf que, en septembre, Barillet, très ami avec Gaby Sylvia, lui donna la pièce à lire et elle s’enflamma. Il n’y crut pas, elle oui. Et ils finirent par monter la pièce à Bordeaux, car, inconnus, ils ne trouvèrent évidemment pas une salle à Paris.

À Bordeaux, ils eurent d’excellentes critiques et arrivèrent même à vendre les droits de cinéma à un réalisateur local : Monsieur Cousinet (je n’invente rien, il tourna le film avec Robert Lamoureux).

À Paris, la Comédie-Wagram affichait une pièce qui fit long feu et Gaby Sylvia leur proposa de reprendre chez eux Le Don d’Adèle.

La suite, on la connaît : Aragon vint, la pièce trouva également grâce aux yeux d’Elsa. Il fit une critique dithyrambique, voyant dans la pièce une féroce critique de la bourgeoisie. La Comédie-Wagram remplit sa salle pendant plus de 1000 représentations.

En France, à l’étranger, cette pièce-sésame est jouée sans relâche depuis 1949.

Les succès s’enchaînent avant de devenir vraiment internationaux : Fleur de cactus en 1964 (avec Sophie Desmarets et Jean Poiret), puis jouée 1250 fois sur Broadway par Lauren Bacall et tournée à Hollywood par Ingrid Bergman.

1968, Quarante carats, autre triomphe, avec une production new-yorkaise portée par Julie Harris et une adaptation cinématographique avec Liv Ullmann.

Puis le second grand succès avec leur actrice favorite Sophie Desmarets, Peau de vache, jouée pendant quatre saisons.

Entre Paris et les tournées, Jacqueline Maillan a joué Barillet & Gredy pendant quinze années : Le Chinois, Folle Amanda, Le Pont Japonais, Potiche, Lily et Lily.

La dernière pièce montée qu’ils ont écrite ensemble fut à l’affiche sous le titre Magic Palace, titre qu’ils n’aimaient pas et qui va être republiée, car elle est en partie autobiographique, sous le titre Je suis deux.

Gredy a écrit ses mémoires dans Tous ces visages. Barillet, en deux volumes, Quatre années sans relâche et À la ville comme à la scène, et a reçu le Prix Interallié de l’essai pour une monumentale biographie de Flers, Caillavet et Croisset.

Depuis leur disparition, Michel Fau s’intéresse à leur œuvre.

Et dans cette version, nous avons deux Lily pour le prix d’une : Michèle Bernier.

Roland Oberlin

Après une formation théâtrale, notamment deux années au Cours Viriot qui décideront de sa passion pour le théâtre, elle intègre le Petit Théâtre de Bouvard où elle rencontre Mimie Mathy et Isabelle de Botton. Elles deviendront le trio comique « Les Filles ».

Elles connaissent le succès sur scène en 1988 avec Existe en 3 tailles, puis en 1991 avec Le Gros n’Avion. Michèle retrouvera par la suite Isabelle de Botton pour la mise en scène de Moïse, Dalida et moi.

En 1998, Michèle Bernier crée avec Marie Pascale Osterrieth son premier one-woman-show, Le Démon de midi, qui connaît quatre années de succès.

Suivront Nuit d’ivresse de Josiane Balasko, puis Dolores Claiborne de Stephen King, et son deuxième seule en scène Et pas une ride ! de Marie Pascale Osterrieth, qui l’accompagnera également pour son troisième one-woman-show en 2019, Vive demain !

Michèle connaît aussi en 2014 un immense succès dans la pièce de Laurent Ruquier Je préfère qu’on reste amis, aux côtés de Frédéric Diefenthal, suivi en 2023 par le second opus Je préfère qu’on reste ensemble, qu’elle joue avec Olivier Sitruk au Théâtre des Variétés.

En dehors de la scène, Michèle enchaîne de nombreux projets pour le cinéma et la télévision, dont récemment de Jean-Pierre Améris ainsi que de Christophe Lamotte, sans oublier bien sûr sa série, dont chaque saison connaît, depuis 2014, un formidable accueil.

Formé au Conservatoire national supérieur d’art dramatique, remporte trois premiers prix de comédie avant d’intégrer la Comédie-Française en 1972. Il y interprète des œuvres du répertoire classique, notamment celles de Molière.

Rapidement, le cinéma fait appel à lui pour des rôles marquants, notamment dans La Gifle de Claude Pinoteau, avant qu’il ne devienne une figure majeure de la comédie française avec des succès tels que Le Roi des cons (1981), Tête à claques (1982) et Le Joli Cœur (1984).

Entre 1992 et 2000, il dirige le Théâtre Montansier à Versailles et collabore ensuite avec Jean-Claude Brialy au Festival d’Anjou, avant d’en assumer seul la direction en 2002 et 2003.

Sur scène, il s’illustre dans les œuvres de Feydeau, Sacha Guitry et bien sûr Molière, qu’il met également en scène. Son rôle emblématique de Scapin, qu’il a interprété plus de 300 fois, reste durablement gravé dans les mémoires.

Entre 2013 et 2017, il rend hommage à Molière et à sa troupe avec son seul en scène Molière malgré moi.

À la télévision, il connaît également un immense succès et séduit le grand public avec son rôle emblématique dans la série policière .

En 2024, il partage la scène du Théâtre de Paris avec Anny Duperey, Corinne Touzet et Pascal Légitimus dans Le Duplex de Didier Caron. L’aventure se poursuit dans le même théâtre, aux côtés cette fois de Michèle Bernier, avec la comédie mythique de Barillet et Gredy Lily et Lily.

Après une formation de chanteur au Conservatoire, commence sa carrière dans l’opérette et les comédies musicales. On le retrouve notamment dans Fifi, Irma la Douce et Yes !, à l’:contentReference[oaicite:1]{index=1}, dans une mise en scène de Vladislav Galard et Robert Bogdan Hatisi.

Au théâtre, il travaille avec de nombreuses metteuses et metteurs en scène parmi lesquels Agathe Alexis, Didier Long, Régis Santon, Jean-Luc Moreau et Ladislas Chollat dans Le Père de Florian Zeller, ainsi qu’avec Jean-Baptiste Sastre dans Un chapeau de paille d’Italie à Chaillot.

Au cinéma, il tourne sous la direction de Yves Robert, Gérard Oury, Claude Berri, Delphine de Vigan, Charlotte de Turckheim, Jean-Patrick Benes, Woody Allen et Pascal Elbé.

À la télévision, on le retrouve dans de nombreux téléfilms et séries, dont la plus récente, Nero, pour Netflix

Auteur-compositeur-interprète, il se produit également sur scène au Sentier des Halles, à l’Église de la Madeleine et dans de nombreux festivals.

Riton Liebman est un acteur, auteur et réalisateur belge, né en 1964 à Bruxelles.

Sa carrière démarre très tôt, à l’âge de treize ans, avec le film Préparez vos mouchoirs de Bertrand Blier, aux côtés de Gérard Depardieu, Patrick Dewaere et Carole Laure. Cette première expérience fondatrice lance durablement sa passion pour le cinéma et le théâtre.

Parallèlement à son parcours d’acteur, il écrit et interprète de nombreux one-man-shows, parmi lesquels Dirk le Rebelle, Liebman Renégat et Noël à Cavell, affirmant un univers personnel, mêlant humour, autodérision et regard lucide sur le monde.

Au cinéma, il apparaît dans des œuvres variées telles que Polisse de Maïwenn, Bienvenue à Marly-Gomont et C’est la vie de Julien Rambaldi. En 2013, il passe derrière la caméra pour réaliser Je suis supporter du Standard, un film semi-autobiographique explorant les liens entre football, identité et mémoire intime.

En 2024, il signe son premier livre, La vedette du quartier, dans lequel il raconte, avec humour et sans détour, son parcours d’acteur et les coulisses d’une vie dédiée à la scène et à l’écran.

Riton Liebman est un acteur, auteur et réalisateur belge, né en 1964 à Bruxelles.

Sa carrière démarre très tôt, à l’âge de treize ans, avec le film Préparez vos mouchoirs de Bertrand Blier, aux côtés de Gérard Depardieu, Patrick Dewaere et Carole Laure. Cette première expérience fondatrice lance durablement sa passion pour le cinéma et le théâtre.

Parallèlement à son parcours d’acteur, il écrit et interprète de nombreux one-man-shows, parmi lesquels Dirk le Rebelle, Liebman Renégat et Noël à Cavell, affirmant un univers personnel, mêlant humour, autodérision et regard lucide sur le monde.

Au cinéma, il apparaît dans des œuvres variées telles que Polisse de Maïwenn, Bienvenue à Marly-Gomont et C’est la vie de Julien Rambaldi. En 2013, il passe derrière la caméra pour réaliser Je suis supporter du Standard, un film semi-autobiographique explorant les liens entre football, identité et mémoire intime.

En 2024, il signe son premier livre, La vedette du quartier, dans lequel il raconte, avec humour et sans détour, son parcours d’acteur et les coulisses d’une vie dédiée à la scène et à l’écran.

Après une formation au cours Dominique Viriot, Cyril Garnier fait ses armes au café-théâtre en créant le duo Garnier et Sentou en 2005.

Révélé au grand public en 2010 grâce à l’émission On ne demande qu’à en rire, animée par Laurent Ruquier sur France 2, le duo écume les théâtres de la francophonie avec ses spectacles, mais aussi à travers des pièces comme À deux lits du délit ou Les Grands Moyens.

Cyril se tourne ensuite vers le drame dans des fictions télévisées, notamment avec un rôle récurrent dans la série Demain nous appartient sur TF1, qu’il interprète jusqu’en 2020.

Désireux de revenir au théâtre, il crée au Théâtre des Béliers Avignon son seul en scène J’aurais voulu être astronaute, actuellement en tournée.

Il renoue également avec la comédie en intégrant en 2023 la troupe de Dernier coup de ciseaux.

Il poursuit dans cette veine cette saison avec Rupture à domicile au Théâtre Rive Gauche en première partie de saison, puis Lily & Lily au Théâtre de Paris en 2025.

Morgane Cabot débute sa carrière à seize ans en interprétant Pauline, le rôle principal du film Trois Petites Filles de Jean-Loup Hubert, sorti en 2004.

Elle apparaît ensuite dans de nombreux téléfilms et séries, parmi lesquels La Battante, Fête de famille, Vénus et Apollon (saison 2) et Il faut marier maman.

Au théâtre, elle débute en 2017 dans Folle Amanda au Théâtre Antoine, puis dans la comédie musicale Welcome to Woodstock.

Dernièrement, elle a joué dans Dernier coup de ciseaux au Théâtre des Mathurins à Paris, une comédie policière interactive à succès, et a également interprété Guenièvre dans Merlin, la légende musicale aux Folies Bergère.

Morgane Cabot est aussi scénariste. Elle développe actuellement un premier projet de série intitulé Baby Clash et vient de coécrire et coréaliser une mini-série, Zen, dans le cadre du Nikon Film Festival.

Bastien débute sur scène en 2019 dans le spectacle Robin des Bois : la légende ou presque, mis en scène par Guillaume Beaujolais, une expérience fondatrice.

En 2021, il joue dans la pièce Signé César de Thomas Bernier et participe à de nombreux projets audiovisuels, notamment le court-métrage Lisa de Sébastien Blondel ou encore Ma sœur, sous la direction de Joss Berlioux.

En 2022, il crée le rôle de Sherlock Holmes dans le spectacle éponyme des frères Safa au Théâtre du 13e Art.

Également chanteur, il joue en 2023 dans la nouvelle adaptation du Soldat Rose au Grand Rex, mise en scène par Julien Alluguette.

En 2024, il rejoint avec enthousiasme la troupe des Misérables au Théâtre du Châtelet, dans une mise en scène de Ladislas Chollat.

Depuis près de 50 ans, l’Orchestre national de Cannes mène une politique audacieuse en faveur du patrimoine musical d’hier, d’aujourd’hui et de demain. Associant excellence et simplicité, prestige et inventivité, tradition et modernité, il cherche constamment à aller à la rencontre de tous les publics grâce à sa créativité et à la diversité de son répertoire. Siégeant dans la capitale mondiale du cinéma, il fait naturellement de la musique à l’image un axe majeur de son développement. Constitué de 37 musiciens permanents placés depuis 2016 sous la direction musicale de Benjamin Levy, l’Orchestre national de Cannes a été labellisé en 2022 « Orchestre national en région » ; il accueille chaque saison plus de 35 000 spectateurs âgés de 6 mois à 99 ans. Donnant presqu’une centaine de concerts par an, de Cannes aux villages de l’arrière-pays, il rayonne sur l’ensemble du territoire de la région Sud et au-delà par ses invitations à se produire sur les plus grandes scènes françaises. Soucieux de répondre aux attentes d’un public varié, il fait évoluer la forme de ses concerts et propose des programmes accessibles et adaptés à chacun, tels que des concerts pédagogiques d’une heure, des Baby Concerts, des afterwork musicaux ou des concerts augmentés, et développe des actions d’éducation artistique et culturelle pour les publics scolaires, éloignés ou empêchés. Engagé auprès des jeunes générations, il accompagne les talents de demain par le biais de son Académie et de ses partenariats avec des établissements d’enseignement supérieur de la musique (IESM, CNSMDP, CNSMDL, etc.) Ainsi, participe-t-il tous les ans à la formation d’une centaine d’étudiants en musique.

Attaché au répertoire moderne et contemporain, l’Orchestre national de Cannes donne chaque saison des créations mondiales. À ce titre, il est membre du Consortium créatif, réunion inédite de cinq orchestres français pour la promotion de la musique d’aujourd’hui. Grâce au soutien de la Ville de Cannes, du Ministère de la Culture, du Département des Alpes-Maritimes, de la Région SUD, du Cercle des mécènes Andantino et de l’association Les Amis de l’Orchestre, l’Orchestre fait vivre et rayonner la musique symphonique auprès du plus grand nombre, défend un vaste répertoire allant du XVIIe siècle à nos jours, aux côtés de chefs et solistes de renommée internationale, et de la nouvelle génération de musiciens qu’il souhaite faire découvrir. Par son engagement dans sa ville et sa région, par son rayonnement en France et sur les ondes, l’Orchestre national de Cannes est un acteur culturel majeur du paysage cannois et de son territoire.

De l’Ouverture cubaine de George Gershwin aux éclats syncopés du Mambo de Leonard Bernstein, chaque pièce célèbre l’énergie du mouvement et la richesse des traditions populaires.

La Danzón n°2 et la Conga del Fuego Nuevo d’Arturo Márquez rendent hommage aux rythmes mexicains, tandis que Ginastera et Revueltas capturent l’âme des terres argentines et mayas.

L’ensorcelant Tico-Tico no Fubá et la Dança brasileira font vibrer le Brésil, quand Le Carnaval de Saint-Pierre de Cyrille Lehn et l’arrangement de Vai lavar a cara galopin ajoutent une touche de mystère à ce programme incandescent où la danse, tour à tour sensuelle, exaltée et enivrante, devient le fil conducteur d’un voyage musical effervescent.

Programme:

George Gershwin
Ouverture cubaine (1932) (10′)

Arturo Márquez
Danzon n°2 (version symphonique) (1994) (10′)

Cyrille Lehn
Carnaval de Saint-Pierre (2020) (9’30)

Mozart Camargo Guarnieri
Dansa brasileira, extrait de Trois danses pour Orchestre (1948) (2’30)

Zequinha Abreu
Tico-Tico no Fubá (1917) (4′)

Arrangement Cliff Colnot

– ENTRACTE (20′) –

Alberto Ginastera
Estancia op. 8, ballet – extraits (1943) (13′)

Chanson populaire Vai lavar a cara galopín (2010) (3′)
Arrangement de Juan Durán

Sylvestre Revueltas
Noche de Jaranas, extrait de La Noche de los Mayas(1939) (5′)

Arturo Márquez
Conga del Fuego Nuevo (5′)

Leonard Bernstein
Mambo, extrait de West Side Story (1957) (2’30)

Illustre actrice américaine du XXe siècle, Judy Garland entame sa carrière artistique dès l’âge de quatorze ans. Energique, sensible et fragile à la fois, la comédienne et chanteuse gravit rapidement les marches de la gloire à travers des personnages dramatiques et des rôles musicaux. Artiste accomplie et profondément polyvalente, elle collectionne de nombreux awards témoignant de l’ampleur de son talent. Parmi ses films les plus remarquables figurent « Le magicien d’Oz » en 1939 et le film musical à succès « A Star Is Born », qui lui vaut le Golden Globe de la meilleure actrice en 1955. Décédée prématurément à l’âge de 47 ans en juin 1969, Judy Garland s’impose durablement comme une figure légendaire et une référence majeure de l’histoire du cinéma.

Les Gumm Sisters
Née le 10 juin 1922 dans le Minnesota sous le nom de Frances Ethel Gumm, Judy Garland est la troisième fille du couple Gumm. Elle grandit dans un environnement fortement imprégné par le monde du spectacle, ses parents étant eux-mêmes acteurs. Dès l’âge de trois ans, elle monte sur scène aux côtés de ses grandes soeurs et de sa mère, qui l’accompagne au piano. Interprétant notamment « Jingle Bells », elle impressionne déjà le public par sa présence et sa voix. Souffrant d’allergies, sa famille s’installe en Californie, à Lancaster, dont le climat est plus favorable à sa santé. Continuant à se produire avec ses soeurs sous le nom de The Gumm Sisters, le trio se produit dans de nombreuses grandes villes et participe en 1931 à l’Exposition universelle de Chicago. C’est à cette période qu’un producteur leur conseille d’adopter le nom de scène Garland. En 1932, Frances choisit Judy comme prénom artistique, en référence à la chanson populaire « Judy ». Après un premier essai cinématographique dans le court-métrage « La revue big », le véritable envol de Judy Garland commence lorsqu’elle est engagée au Lake Tahoe. A seulement douze ans, elle possède déjà son propre agent et compte parmi ses admirateurs le réalisateur Joseph L. Mankiewicz.

Les débuts et la consécration
En 1935, Judy Garland obtient une audition décisive à la Metro-Goldwyn-Mayer et décroche un contrat sans même passer d’essai. Elle rejoint alors l’écurie des futures grandes stars de la MGM aux côtés de Lana Turner, Deanna Durbin ou encore Mickey Rooney, avec lequel elle formera un duo emblématique. Cette même année est toutefois marquée par la mort de son père. Après un premier court-métrage, elle tourne « Pigskin Parade » pour la 20th Century Fox, puis « The Broadway Melody », qui lui ouvre les portes de la reconnaissance. Sa voix, notamment révélée par l’interprétation de « Dear Mr Gable, You Made Me Love You », annonce également une brillante carrière musicale. Mais c’est en 1939, en incarnant Dorothy Gale dans « Le magicien d’Oz », que Judy Garland atteint une notoriété mondiale. Le titre « Over the Rainbow » devient immédiatement mythique, remporte un Oscar et demeure l’une des plus grandes réussites musicales de sa carrière. La même année, elle reçoit un Oscar de la meilleure jeune actrice et enchaîne les succès, notamment avec « Place au rythme », qui assoit définitivement sa popularité. En 1940, à seulement 18 ans, Judy Garland figure déjà parmi les dix plus grandes stars du box-office américain, juste derrière Bette Davis.

Les hauts et les bas
L’ascension fulgurante de Judy Garland a de lourdes conséquences sur sa santé. Soumise à une pression constante et à des rythmes de tournage éprouvants, elle est contrainte très jeune à consommer des médicaments pour contrôler son poids et soutenir son énergie, ce qui entraîne une dépendance aux amphétamines et aux barbituriques. Malgré une santé déclinante, elle poursuit les tournages avec des films majeurs tels que « Pour moi et ma mie », « Le chant du Missouri » ou encore « Parade de printemps ». Elle épouse le réalisateur Vincente Minnelli en 1945, après un premier mariage avec David Rose, et donne naissance en 1946 à sa fille Liza Minnelli. Victime de dépressions nerveuses et d’épuisement, elle abandonne plusieurs projets avant de connaître un retour triomphal sur scène. En 1950, la MGM met fin à son contrat après quinze années de collaboration. Sa carrière se poursuit alors de manière plus irrégulière, alternant triomphes et difficultés. Elle remporte néanmoins un immense succès en 1955 avec « A Star Is Born », qui lui vaut un Golden Globe, puis connaît une reconnaissance musicale majeure avec l’album « Judy at Carnegie Hall », sacré album de l’année aux Grammy Awards en 1961. Le 22 mars 1969, Judy Garland s’éteint en Angleterre des suites d’une surdose médicamenteuse, laissant trois enfants. Trente ans après sa disparition, elle est consacrée par l’American Film Institute comme l’une des dix plus grandes actrices de l’histoire du cinéma américain.

Elle a du bleu dans les yeux et du blues dans la voix. Le regard de son père, le sourire de sa mère. Des graves qui groovent sur les standards de Cy Coleman ou d’Alan Menken, et ce frémissement des cordes vocales dont on ne se lasse pas, celui qui illumine chacune de ses mezza di voce d’une langueur de soir d’été et donne à ses relectures de Michel Legrand ce mélange rare de fraîcheur et d’émotion qui la rend proprement irrésistible. À 23 ans, Neïma Naouri a su trouver sa propre voix. Elle ne se cache pas derrière celles de ses parents, ne les renie pas non plus, comment le pourrait-elle lorsque l’on a pour père Laurent Naouri, baryton parmi les plus habités de la scène lyrique, et pour mère Natalie Dessay, l’une des plus grandes sopranos coloratures des trente dernières années, aujourd’hui réinventée au théâtre. Même si l’on préfère au Paris de La Bohème celui des clubs de jazz et Broadway sur Seine.

« Je ne me suis jamais sentie écrasée par l’ombre de mes parents, ni prédestinée à quoi que ce soit par leur passif de chanteurs lyriques », confie Neïma Naouri, tranquillement attablée dans un café de la Bastille, jetant un regard appuyé vers la façade de l’Opéra. Comme son frère Tom, elle commence la musique à six ans, par le piano, choix voulu par ses parents. Une expérience qu’elle évoque aujourd’hui avec un sourire amusé tant elle lui fut pénible : dix années d’apprentissage laborieux, une difficulté assumée pour le déchiffrage, compensée par l’astuce bienveillante de son professeur qui l’autorisait à chanter en échange de ses efforts. Car le chant, dans la famille, a toujours été naturel, presque instinctif. À onze ans, un premier déclic survient, non pas à l’opéra mais à Bercy, face à Lady Gaga. « En sortant, j’ai dit à mes parents : ça y est, je sais ce que je veux faire, pop star ! »

Après quelques discussions, ses parents décident de l’orienter vers Jasmine Roy, figure incontournable de la comédie musicale et de la pop en France. À quatorze ans, c’est un second déclic : les premiers cours de chant sont une révélation, un espace de liberté où tout semble possible, loin des contraintes du piano. Jazz, chanson, comédie musicale, Neïma choisit de ne pas choisir. Après une année d’hypokhâgne à Fénelon, elle intègre l’Imep, où elle se spécialise dans le jazz. Elle y rencontre Sylvain Bellegarde, membre des Voice Messengers, formation majeure du jazz vocal français, qu’elle rejoint à la suite de la disparition de son fondateur Thierry Lalo. L’expérience collective s’impose alors comme une école essentielle, où l’exigence n’exclut ni la liberté ni l’expression individuelle.

Après dix-huit mois passés en Grande-Bretagne pour étudier la comédie musicale et jouer au National Theatre, Neïma Naouri retrouve Paris avec un attachement renouvelé à ses scènes et à son public. Elle y célèbre une capitale du jazz qu’elle juge toujours vivante, même si le jazz vocal y demeure marginal, à l’image de la comédie musicale, longtemps tenue à l’écart. Forte de son parcours, elle s’impose aujourd’hui comme l’une des figures montantes du jazz et du renouveau des musicals à l’américaine, sans jamais renoncer à sa ligne de conduite : circuler librement entre les genres. Elle revendique une appétence particulière pour les répertoires exigeants, les Sondheim, Michel Legrand, Barbra Streisand, et rendra hommage à ces univers lors du festival des Musicales de la route de Cézanne, accompagnée par un orchestre symphonique. À terme, elle nourrit un rêve plus intime encore : celui d’un spectacle familial réunissant ses parents, son frère et elle-même autour des standards qu’ils aiment, portés au piano par Yvan Cassar.

Avec Je panse donc je suis, Jean-François Perrone livre son premier one-man-show, un spectacle profondément personnel, à la fois comique et bouleversant, porté par un personnage devenu emblématique : Jeffou le gnou.

L’idée de ce spectacle est ancienne. Depuis longtemps, Éric Fraticelli souhaitait écrire pour lui un seul-en-scène inspiré des personnages qu’il incarne au cinéma et au théâtre, notamment dans Le Clan, Permis de construire ou Inestimable. Mais Jean-François Perrone refusait un projet limité à quelques représentations locales. Il attendait qu’une véritable production nationale s’engage. Cette rencontre a eu lieu avec la société « Ki m’aime me suive », déclenchant le lancement d’une tournée ambitieuse, aujourd’hui forte de dizaines de dates en France, en Belgique et bien sûr en Corse.

Le spectacle s’articule autour d’un jeu de mots devenu manifeste : Je panse donc je suis, détournement assumé de la célèbre formule de Descartes. Ici, le verbe « panser » dit la réparation, la cicatrice, le combat. Jean-François Perrone y raconte sans filtre son parcours, depuis sa naissance jusqu’à aujourd’hui, et notamment son rapport au corps, au regard des autres et à une obésité qui l’a conduit, il y a encore quelques années, à dépasser les 200 kilos. Femmes, sport, nourriture, vêtements, quotidien ordinaire : tout devient obstacle lorsque le corps déborde. Le spectacle raconte cette lutte, avec une autodérision féroce, mais aussi une émotion constante. L’humour n’est jamais une fuite, il est un moyen de dire vrai.

Tout dans ce spectacle est issu de son histoire personnelle, même si elle est volontairement caricaturée pour faire rire. Éric Fraticelli, qui connaît Jean-François Perrone depuis près de trente ans, était sans doute le seul capable d’écrire un texte aussi précis, aussi juste. Leur rencontre remonte au milieu des années 1990, au festival du rire de Sartène, avant de se poursuivre sur des tournages déterminants comme L’Enquête Corse, point de bascule dans la carrière de nombreux comédiens insulaires. Depuis, ils ne se sont plus quittés.

Le personnage de Jeffou le gnou est né de cette complicité. Une silhouette, une coupe de cheveux volontairement outrancière, un regard animal, un caractère brut. Fraticelli le surnommait déjà « le gnou » sur les tournages, et Jeffou est venu naturellement, diminutif affectueux de Jean-François, reflet d’un tempérament entier, sans fard. Un homme rustre mais sincère, « a l’anticu », sans concession mais profondément humain.

Les premières représentations ont eu lieu à Porto-Vecchio, ville natale de l’artiste. Un choix évident pour roder le spectacle, ajuster le rythme, réduire une première version de plus de deux heures à un format resserré d’environ une heure quinze. Face à l’engouement du public, les dates se sont multipliées, la salle agrandie, et près de 1 800 spectateurs ont assisté aux premières représentations avant le départ en tournée. Le succès s’est construit sans soutien médiatique initial, porté par le bouche-à-oreille et les réseaux sociaux, où les vidéos du personnage ont cumulé des millions de vues.

Habitué aux rôles de durs, notamment dans la série Mafiosa, Jean-François Perrone le reconnaît volontiers : faire peur est parfois plus simple que faire rire. Le one-man-show représente pour lui un véritable défi artistique, une mise à nu, mais aussi une nouvelle étape dans une carrière riche de plus de trente-quatre ans.

Fondateur et directeur de la compagnie I Chjachjaroni, héritier de l’enseignement de Mireille Baudon et passionné de commedia dell’arte, il est également à l’origine du festival Scen’è sonniu, construit sur un principe simple et exigeant : le spectacle payant en salle, gratuit dans la rue. Un engagement artistique et populaire qu’il poursuit en parallèle de cette aventure scénique.

Je panse donc je suis est bien plus qu’un seul-en-scène. C’est le récit d’un combat intime, transformé en matière comique, une traversée du regard des autres et de soi-même, portée par un comédien qui a choisi de rire de ce qui l’a longtemps fait souffrir.

Et si on jouait à « Tu connais cette chanson » ? Et pour une fois, en partant des paroles ? Parce qu’après tout, la chanson française, c’est une langue. Trenet traîne avec les surréalistes, Gainsbourg claque des vers de Verlaine. C’est peut-être ce qui définit la chanson française, la langue. Pourtant, elle emprunte aux genres musicaux du monde entier. Alors est-ce qu’elle est si française que ça ?

Si on s’amusait à trouver l’auteur de cette chanson ? Ou l’autrice ? Et d’ailleurs « où sont les femmes » dans l’histoire de la chanson ? Si elles sont plus dures à deviner, c’est qu’elles sont peut-être moins connues, ou reconnues. Et si la question du genre s’appliquait au genre musical ? Les artistes sont-ils plus ou moins reconnus selon leur genre musical ?

Et si on jouait à déjouer les règles du jeu ? À ne plus se sentir honteux de ne pas savoir. Mais à être fier de découvrir pour la première fois. À déconstruire la culture générale. Et s’apercevoir qu’elle est toujours particulière. Peut-être que notre goût est le fruit de notre éducation, ou de notre classe sociale ? Et si on apprenait à écouter ?

À écouter vraiment. Comme si on était aveugle. À se défaire de l’image des artistes pour écouter leurs œuvres. Vraiment. Et si le chanteur sur scène écoutait les personnes dans la salle qui sont venues l’écouter ? Écouter leurs réponses, avec attention, avec amusement, avec raillerie pourquoi pas ? Une forme interactive où chacun agit sur l’autre. Pour pouvoir mieux se connaître.

Et si on apprenait en écoutant ? Entre les morceaux, les transitions sont l’occasion d’interrogations et d’anecdotes. Pourquoi Barbara est plus connue qu’Anne Sylvestre ? Qu’est-ce qui est connu ou ne l’est pas ? Qui a écrit cette chanson ? Diam’s ou Dean Martin ? Est-ce que la propriété intellectuelle existe ? Peut-on faire groover le français ? Tout en déconstruisant des mythes, ces petites histoires permettent de tisser du lien et de retracer une grande histoire d’amour de la chanson.

Louis Caratini

Formé à l’École supérieure d’Art dramatique de la Ville de Paris et diplômé du M.I.M.A. en chant,
apprenant le piano classique dès l’enfance, travaillant tardivement le trombone avec obsession,
parsemant ses spectacles de guitare, Louis Caratini est un artiste indiscipliné.

Avec son projet éponyme de chanson, il se retrouve finaliste de nombreux tremplins (Jacques Brel
de Vesoul, Grand Zebrock…) et lauréat au Carrefour de la Chanson de Clermont-Ferrand. Sur des
scènes de chanson française (La Menuiserie, ACP Manufacture Chanson…) ou de musiques actuelles
(Batterie de Guyancourt, Canal 93…), il chante en solo, s’accompagnant de piano et de fender
rhodes, ou suivi par un quartet jazz. Il sort deux E.P. : Méchants Sons en 2010 et Pour la bonne
cause en 2014. Il chante aussi sur la scène de Maxime Le Forestier, et glane des techniques
d’écriture auprès de Kent, Claire Diterzi, Jean Fauque et Sanseverino.

Au théâtre, également comédien, il sert des metteurs en scène talentueux (Alexis Michalik, Guillaume
Barbot, Nicole Genovese, Cédric Revollon…). Metteur en scène, la musique reste au cœur de son
travail : le jazz dans Nica’s Dream, ou l’opéra dans L’Appel d’Ereshkigal du compositeur Benjamin
Attahir.

Louis Caratini est impliqué dans beaucoup d’actions culturelles. Il donne des ateliers d’écriture en
prison, crée des chorales avec des personnes isolées, ou des enfants.

Après une formation au Conservatoire National de Région de Marseille sous la direction de Christian
Benedetti en parallèle d’un Master en Anthropologie, elle part se former à Minsk en Biélorussie
pendant un an. En rentrant en France, elle continue de se former auprès d’Ariane Mnouchkine, de
Célie Pauthe, de la Cie Preljocaj et d’Eric Blouet.

Puis elle travaille au théâtre sous la direction d’Alain Timàr, Guy-Pierre Couleau, Pierre Santini, Michel
Bruzat, Paco Azorin, Hervé Petit, Raphaël Patout, Serge Valletti…

Elle crée sa compagnie, le Collectif Animale, à Avignon en 2013, monte Les Sermons Joyeux de J-P
Siméon en 2014, La Fille de l’Eau en 2016. Elle écrit Turbulences en 2022, qu’elle développe actuellement
en résidence sur la Scène Nationale de Châteauvallon, à l’Entre-pont à Nice, et au Théâtre des Carmes
à Avignon.

En parallèle, elle crée Cardinale en 2018, projet transversal de musiques actuelles et de poésie
contemporaine (guitare, basse, batterie, clavier, synthé, chant) avec Guillaume Barbot à la mise en
scène, s’ensuit une série de concerts, dont la 1ère partie de Barbara Carlotti en octobre 2021.